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Act for Democracy! Forum on European Culture. Amsterdam, 31 May – 3 June

Museumplein, Amsterdam

Museumplein

Was unser Herz berührt

Ein Erlebnisbericht zum Besuch von “Act for Democracy! Forum on European Culture.”, Amsterdam, 31 May – 3 June

Es ist Samstag, der 2.6.18. Ich bin auf einer Veranstaltung, die den Namen “The Art of Regionalism” trägt und im “De Balie, Salon” stattfindet. Ca. 15 weitere Menschen sitzen mit mir im Publikum. Adith Hunkar, eine aufgeweckt und sehr emanzipiert wirkende Dame, die sich selbst als “freestyle journalist” bezeichnet, moderiert das 4-köpfige Panel. Es wird Hoffnung darauf gemacht, dass wir mit dieser Veranstaltung der Frage näherkommen, ob ein Europa der Regionen zu einer Erfüllung unserer Europäischen Visionen führen kann. Darüber wurde letzten Endes jedoch eigentlich gar nicht gesprochen.

Zunächst wurde das Publikum mit einem friesländischen “Troubadour” namens “Willie Darktrousers” beruhigt:

 

Das Stück war lang und langgezogen, jedoch gut gewählt, da mit regionalem Charme (und seinem im Hintergrund vor sich hin grinsenden Landes-Bruder nach zu urteilen wohl auch humorvoll).

Teilnehmer des Panels sind: Albert Heta, ein politischer Konzept-/Interventionskünstler, der u.a. den Kosovo auf der Biennale in Venedig 2005 präsentierte; Jackie Wylie, welche das “National Theatre of Scotland” leitet und Sjoerd Bootsma, aktives Mitglied der Organisation “CitizensLab“, welches alternative Modelle Europäischen Zusammenlebens entwickelt und testet.

Heta spricht über den Kosovo, dessen Zugehörigkeiten seit über 100 Jahren und Unabhängigkeit von Serbien 2008 bis heute umstritten sind. Nach Hetas Aussagen vergäße der Kosovo seine Identität durch die jahrzentelange Beschäftigung mit umstrittenen Zugehörigkeiten, weswegen die regionale Kunst von Zerrissenheit und der Suche nach Identität erzähle, aber auch die jüngst erworbene Unabhängigkeit und somit Freiheit feiere. Als Beispiel für Letzteres zeigt er ein Musikvideo des Kosovo-Popstars Rita Ora.

In Europa rede niemand über Freiheit, sagt er. Wir nähmen diese als selbstverständlich.

Dieser Umgang mit Identität im Kosovo stehe nach Wylie im Gegensatz zur schottischen. Schottland reagiere auf die Zugehörigkeitsfrage mit einem festen Traditionsbewusstsein bis hin zu Patriotismus. Dessen regionale Kunst kreise folglich gern um sich selbst. Beiden Ausprägungen sei jedoch gemeinsam, dass Kunst insbesondere als “Heiler” fungiere.

(Von links nach rechts: Sjoerd Bootsma, Albert Heta, Jackie Wylie, Adith Hunkar)

Der sympathische Friesländer zeigt einen durch den CitizenLab entstandenen Werbefilm für seine Region, welcher die Menschen vor allem durch Kulturgüter zu begeistern versucht:

 

Wenn er sagt: “Kunst trifft die Menschen im Herzen – darin liegt die Kraft der Kunst”, sind sich alle einig.

Um 17:30 sitze ich im “Duvel”, einer Kneipe am Wasser, trinke ein frisch Gezapftes und fühle mich erschlagen – es wird ja doch immer sehr viel geredet und ich frage mich, wohin das führt: Ein kleiner Kreis engagierter Menschen besucht diese Veranstaltungen und redet über Europa und Kunst. Mich hat das Reden darüber jedenfalls nicht im Herzen getroffen – eher im Kopf und der ist jetzt unsäglich müde. Und kalt wird mir auch.

Das Einzige, was jetzt noch mein Herz berühren könnte, wäre, mit jemandem verliebt, Hand in Hand an den Kanälen Amsterdams entlang zu schlendern.

Meine Gedanken schweifen weiter: Ich beginne über mein Aussehen und das Älterwerden nachzugrübeln. Ich fühle mich egoistisch und wenig politisch engagiert und versuche dies zu ändern, indem ich an politisch engagierte Menschen denke, die mir etwas bedeuten. Ich muss noch ein Bier bestellen.

 

Zu um 20 Uhr mache ich mich mit einem durch Verschiedenes hervorgebrachten Motivationsschub zur Veranstaltung “Europa – Wir schaffen das!” auf. Ja, die Veranstaltung ist angesiedelt im “Het Concertgebouw”, einem festlichen Konzertsaal, gut angezogene Menschen unterhalten sich in angenehmer Intonation, es herrscht die Atmosphäre freudiger Erwartung wie vor einem klassischen Konzert. Ich bin bereit, mich mitreißen zu lassen.

Schon der Beginn ist vielversprechend: Seyran Ates, die mutige Frauenrechtlerin, dringt auf uns ein: Was für eine Gesellschaft wollen wir unseren Kindern hinterlassen? Was können wir für unser Friedens-Projekt tun?

 

Lars Eidinger liest in feierlicher Ernsthaftigkeit, die leider ein wenig aufgesetzt scheint, eine Sage und aus Stefan Zweigs “Die moralische Entgiftung Europas”:

 

Und Simon Strauss spricht mit tiefem Engagement. Er spricht echt, heißblütig aber schlüssig über Kultur. Dass sie zeitlos ist, Gefühle wecken, zu Visionen verhelfen und Freiheit bringen kann. Das gezündete Feuer im Herzen wird durch den musikalischen Auftritt einer erstaunlichen Sängerin namens WENDE (➡ hier zum Video) weiter entfacht. Chris Dercon, ehem. Kurator der Tate Modern und ehem. Intendant der Volksbühne in Berlin, versucht das Feuer erstaunlicher Weise zu löschen, indem er steif und fest die Ansicht vertritt, Deutschland sei seit 2006 kein Land der Ideen mehr und Europa brauche weniger Kultur denn kühle Köpfe in der Politik. Und so kam auch noch Feuer in die Gesprächskultur, in die Diskussion zwischen Dercon und Strauss (➡ hier zum Video).

Diese Veranstaltung setzt endlich um, was in der vorherigen bloß besprochen wurde: Sie zeigt, welche Kraft und Schönheit in der Kultur liegen kann. Wenn man ihr den Raum gibt. Wenn man sie ernst nimmt.

Sonntag der 3.6.18, 14 Uhr: Manifesto with Julian Rosefeldt / Film + Talk.

Jetzt werde ich eines meiner künstlerischen Vorbilder sehen: Julian Rosefeldt. Im Frühling vor zwei Jahren sah ich erstmals seine Filminstallation Manifesto im Hamburger Bahnhof und dann ein weiteres Mal. Ich habe selten ein Kunstwerk erlebt, welches mir so vollkommen erschien. Ich bin aufgeregt – immerhin besser als Müdigkeit! Ich komme zu spät und stürme zur verschlossenen Tür des Kinosaals. Nur ein etwas schlaksiger Mann steht davor und tippt etwas in sein Handy. Ich frage ihn, ob man hier noch rein dürfe. Überaus freundlich bedeutet er mir, ich dürfe. Später stellte sich heraus, es handelte sich um Rosefeldt selbst.

 

Ich sitze endlich und kann mich erneut dem Film widmen, der durch häufiges Schauen kein bisschen langweiliger wird. Die sagenhaft spielende Kate Blanchett, die die zahlreichen, völlig unterschiedlichen, subtil überzeichneten Rollen vollkommen ausfüllt, erinnert mich an die Kunst Cindy Shermans, welche in der Überzeichnung ihrer Charaktere allerdings weitaus extremer ist. Blanchett überzeugt so sehr, dass ich glaube, sie braucht die Schauspielerei, um kritische bis lächerliche menschliche Verhaltensweisen therapeutisch zu verarbeiten. In inspirierter Selbstreflexion vermute ich, dass mich diese Art Kunst u.a. deshalb so fasziniert:

Es geht um den Menschen. Wie er sich warum verhält, was er sich wünscht, was er denkt und fühlt.

Die Kunst ist, genau hinzuschauen und Menschliches zu sehen, anstatt es zu verstecken, selbst wenn, gerade wenn es peinlich ist.

Nun spricht Rosefeldt selbst. Er meint, man müsse sich als Mini-Institution im Kosmos sehen und fragen: Was ist meine Rolle/mein Beitrag? Er sagt:

“You have to think limitless and risky!”

16 Uhr: Presentation Eurolab

Wolfgang Tillmans, Rem Koolhaas und Stephan Petermann haben sich mit jungen Kreativen zusammengeschlossen, um an Marketingaktionen herumzudenken, welche das Europa-Projekt für die Allgemeinheit attraktiver machen soll.

Es werden Statistiken zum politischen Verhalten der Europäer und eine Menge Fakten aufgefahren.

Die Präsentationen der Ergebnisse des Labs zeigen, dass es nicht um Kunst, sondern um Marketing geht: Es sollen frische, junge Wahlpartys veranstaltet werden. Pop- und Sportstars sollen T-Shirts tragen und sich so über Internet-Kampagnen zeigen.

Mit Aufschriften wie “No man is an island, no country by itself”, “We are not perfect but still a family” oder Tillmans Lieblingsspruch: “Your grandparents fought for it. Your children depend on it”.

Ich wundere mich über das Kalkül dieser Künstler und komme mir weltfremd und verträumt vor.

18:30: Ich sitze wieder etwas abgeturnt am Wasser, allein mit leicht engem und kaltem Herzen. Immerhin habe ich Gemüse und Hummus und ein frisch Gezapftes.

Ich überlege, ob ich beleidigt bin, weil meine Bewerbung fürs Eurolab erfolglos war, widerlege diese Gedanken aber. Die Veranstaltung kam mir so leidenschaftslos vor. Vielleicht bin ich manchmal zu unkonkret in meinen Träumen von einer besseren Zukunft. Doch ganz pragmatisch kann und will ich nicht sein! Vielleicht wenigstens pragmatischer, mich verstärkt mit aktuellen, konkreten Fakten befassen und daraus meine (künstlerischen) Schlüsse ziehen. Aber was bedeutet das schon “konkret” zu sein? Ja, das bedeutet auch, weltlich zu sein. Das bedeutet, mit der Welt genau so wie sie ist umzugehen, nichts zu verschleiern, nichts zu verschönern. Aber das ist ja furchtbar öde! Und wenig romantisch. Ich bezweifle, dass ich das will. Am Ende muss beides zusammenkommen:

Ohne Träume entwickelt sich die Welt nicht zum Positiven und ohne das Konkrete ebenso wenig.

Ich denke, so lebe ich bereits. Und bei Tillmans und Co ist mir das Verträumte zu kurz gekommen.

Dennoch: Sowohl die Welt als auch Europa können nicht durch clevere Ideen gerettet werden. Das Einzige was uns retten kann, ist die Leidenschaft für das Gute, Wahre und Schöne.

Nachts war ich mit namhaften Menschen unterwegs. Es sind realitätsnahe, konkrete Menschen, die sich in der Welt zu bewegen wissen. Mir war kalt.

 

 

Kunst im Netz: Sas Christian

Dieser Beitrag stellt euch jeden Freitag kurz und bündig einen aktuellen Art-Blog vor. Somit wird versucht, Kunsttrends auf die Spur zu kommen. Diesmal: Sas Christian.

saschristian

Einem der Kunst mag und damit meine ich wirklich Kunst, nämlich die, die sich auflehnt und mehr sieht, als der Otto Normalverbraucher, dem werden sofort sämtliche Alarmglocken angehen, sobald er auf die Seite der britischen, 45-jährigen Künstlerin stößt: Das ist Kitsch, nicht Kunst – so dachte ich zumindest. Und denke es immer noch. Doch habe ich mich verführen lassen von Glamour und handfesten Emotionen, die wieder, so wie man es kennt, schön brav der Weiblichkeit zugeordnet werden – es ist wunderbar!
Dann betrachte ich die Augen ihrer Öl-af-Leinwand-Weibsbilder genauer: In gekonnter Technik fallen sie aus den deutlich zu porzellanartigen Gesichtern heraus und wirken dadurch um so lebendiger. Häufig sind sie gar rotunterlaufen und feucht, als hätte die werte Dame – hach – als hätte sie gerade eben noch geweint!
aurora
Dieser Effekt unterbricht die kitschige Sorglosigkeit (ein wenig) und gibt den Bildern Tiefe.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

bunny blue

 

Alt bekannte Weiblichkeit findet sich ebenfalls in der häufig gewählten Pose kindlichem Schmollens:

 

 

 

 

 

 

 

 

Die Titel der Werke habe ich mit voller Absicht unerwähnt gelassen – wenn ihr sie nachschaut, wisst ihr warum.

Biedermeierische Behaglichkeit breitet sich in mir aus. Und nach Betrachten der Bilder habe ich irgendwie Lust auf Sylvester bekommen – Weihnachten ist ja auch bald schon vorbei.

Kunst im Netz: The Little Chimp Society

Dieser Beitrag stellt euch jeden Freitag kurz und bündig einen aktuellen Art-Blog vor. Somit wird versucht, Kunsttrends auf die Spur zu kommen. Diesmal: The Little Chimp Society.

The Little Chimp Society

The Little Chimp Society ist eher ein Unternehmen denn ein Blog. Es ist möglich auf dieser Seite Stunden zu verbringen, da man vielleicht auf ein Projekt klickt, das einen auf der Seite im wahrsten Sinne des Wortes anspringt und dieses wiederum seine eigene Webseite hat, womit ich gleich einen Nachteil anspreche: Die Seite ist unübersichtlich. Dennoch ist sie wichtig – kein Illustrator sollte sie übersehen – und sie verfolgt das gleiche Ziel wie ich: Aufzuspüren was die momentanen Trends in der Kunst sind.

Ein von LCD ins Leben gerufenes Projekt möchte ich nun herausgreifen, da es sowohl für Kunstschaffende, als auch für Unternehmen die eine/n Illustratoren/in suchen, als auch für Menschen, die sich einfach nur für Kunst interessieren, betrachtenswert ist: Hire an Illustrator stellt eine riesige Sammlung an professionellen Illustratoren/-innen dar, deren Portfolios und Webseiten sich dort ebenfalls zu Gemüte führen lassen. Und alle beherrschen ihr Handwerk, manche auf eindrucksvolle, fast einschüchternde Weise, wenn man an die Masse der dort vorgestellten Künstler denkt. Nun, jeder kann sich dort bewerben – ob Anfänger oder alter Hase – er muss jedoch erst an einer hochkarätigen Jury vorbei.

Zum Beispiel bei Lee Moyer ist für mich keine handwerkliche Qualitätssteigerung mehr denkbar: mscarroll

Und wenn es um den Geschmack geht, wird hier ebenfalls jeder bedient.

Die Erfüllung des Künstlers

Die Erfüllung des Künstlers

Kunst im Netz: Gilbert Legrand

Dieser Beitrag stellt euch jeden Freitag kurz und bündig einen aktuellen Art-Blog vor. Somit wird versucht, Kunsttrends auf die Spur zu kommen. Diesmal: Gilbert Legrand.

Gilbert Legrand

Gilbert Legrand ist ein französischer Künstler auf dessen Seite vor allem seine Skulpturen, Illustrationen und Fotografien zu betrachten sind.

la pipe

Ce n’est pas une pipe: Gilbert Legrand hat aus zwei Pfeifen einen wilden Stierkampf inszeniert.

Besonders seine Skulpturen haben es mir angetan: Er bearbeitet Alltagsgegenstände in einer Weise, die sie zum Leben erwecken. Beim Betrachten denke ich mir: Diese Säge mit genau dieser Form hätte nichts anderes als genau dieser Wolf mit genau diesem Gesichtsausdruck sein können. Und der Farbauftrag komplettiert den erschaffenen Charakter auf eine ideale Weise. Auch die Qualität seiner Fotografien, so wie einige illustrative, nachträglich in den Kontext der Figur gesetzten Details bewirken, dass die Skulpturen scheinbar empfindungsfähig sind…scheinbar?

rapper

Kunst im Netz: Empty Kingdom

Dieser Beitrag stellt euch jeden Freitag kurz und bündig einen aktuellen Art-Blog vor. Somit wird versucht, Kunsttrends auf die Spur zu kommen. Diesmal: Empty Kingdom.

Empty Kingdom

“Empty Kingdom” ist ein Art Blog, der die größte Kunst-Datenbank aufweist, die mir auf meiner Suche nach Kunst im Netz bisher begegnet ist. Beeindruckende Werke, die meisten von mir unbekannten Künstlern, lassen sich hier über detailliert differenzierte Kategorien finden. Die Kategorien “Illustration & Art”, “Photography”, “Film” und “New Media” sind ihrerseits noch einmal umfangreich aber sinnvoll aufgegliedert.

Dreizehn Autoren arbeiten derzeitig für diese Kunst-Seite, die ständig durch neu entdeckte Werke aus der ganzen Welt aktualisiert wird. Beim Lesen des höchst ambitionierten Textes aus dem Bereich “About” ahnte ich, warum wir es hier mit einem Art-Blog zu tun haben, der sowohl durch die Qualität als auch die Quantität ihrer vorgestellten Kunst und Künstler glänzt.

Durch die Vielzahl hochwertiger Kunstwerke, fällt es  mir diesmal sehr schwer, nein, ist es sogar unmöglich, einen “Favoriten” zu finden. Da aber ein schönes Bild nicht fehlen sollte und um die Vielfalt zu verdeutlichen, entscheide ich mich hier und jetzt für zwei Bilder: Bei dem einen handelt es sich um eine Illustration von dem chinesischen Künstler  Mojo Wang und bei dem anderen um eine der vielen irritierenden Porzellanfiguren der australischen Künstlerin Penny Byrne.

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Kunst im Netz: Doodlers Anonymous

Dieser Beitrag stellt euch jeden Freitag kurz und bündig einen aktuellen Art-Blog vor. Somit wird versucht, Kunsttrends auf die Spur zu kommen. Diesmal: Doodlers Anonymous.

Überschrift

“Doodlers Anonymous” ist ein innovativer, amerikanischer Art-Blog, der zu den Top-Sides dieser Rubrik gehört und in mehreren renommierten Zeitungen wie dem “Wall Street Journal” lobend erwähnt wurde. Er befasst sich ausschließlich mit handgezeichneten “Kritzeleien” etablierter oder weniger etablierter Künstler.

Die Seite zeichnet sich durch eine hohe Übersichtlichkeit, eine peppige Aufbereitung und sinnvoll durchdachte Aktionen aus, die Newcomer unterstützen sollen. Solche Aktionen sind in ihrem Showcase, dem Schaukasten, zu entdecken. Zur Zeit läuft dort ein Wettbewerb bei dem Lesezeichen gestaltet werden. Es gibt zwei Gewinner mit deren Werk (jedes Mitglied kann seine Zeichnung nach einem einfach zu bedienendem Prinzip auf die Webseite laden) jeweils 250 Lesezeichen bedruckt werden. Auf der Rückseite dieser, so wie durch die Darstellung auf der Webseite, werden die Künstler dann promoted.

Auf der Willkommens-Seite werden jedoch mehrere, immer wieder neue, bereits etablierte Künstler gezeigt und unter denen sind für jeden Geschmack wirkliche Schätze zu finden.

da-krause-08Meiner ist ja z.B. Fran Krause mit seiner Serie “Deep Dark Fears”, in der er sehr individuelle Ängste in unterschiedlichsten Alltagssituationen überzeugend illustriert.

Unter dem jeweils vorgestellten Werk befindet sich eine aussagekräftige Kurzbeschreibung des Künstlers und zum ihm/ihr führende Links.

Comic – Eine Definition

Was genau ist es eigentlich, was das Medium Comic auszeichnet? Um ein besseres Verständnis für diese aufstrebende Kunstform zu gewährleisten, fasse ich in diesem Beitrag wesentliche Aspekte zusammen.

In seinem Comic über Comics kommt Scott McCloud zu folgender Definition: Comics sind demnach „[z]u räumlichen Sequenzen angeordnete, bildliche oder andere Zeichen, die Informationen vermitteln und/oder eine ästhetische Wirkung beim Betrachter erzeugen sollen.

Der Begriff „Sequenzielle Kunst“ stammt von Will Eisner (1917-2005), einem US-amerikanischer Zeichner. Er bedeutet, dass ein Comic immer aus einer Reihe von Bildern, den so genannten Panels oder Frames, besteht. Ein einzelnes Bild, in comichaftem Stil gestaltet, wird als Cartoon bezeichnet. Ein Comic besteht also mindestens aus zwei Panels. Eisner führte übrigens auch den Begriff „Graphic Novel“ (illustrierter Roman) ein. Er wirkte stilbildend für viele Generationen von Comic-Künstlern und hatte maßgeblichen Einfluss auf die Entwicklung von Comics innerhalb des 20. Jahrhunderts. Mit seinem Buch “Mit Bildern erzählen – Comics und sequentielle Kunst” gehört er zu den ersten, die diesem Medium eine erhöhte Aufmerksamkeit schenkten und ihm einer kritischen Betrachtung unterzogen.

Der Begriff „Kunst“ ist McCloud jedoch zu allgemein und nicht wertfrei genug. Er ist darüber hinaus bestrebt, seine Definition nicht zu eng zu fassen und berücksichtigt auf diese Weise die Freiheit im Einsatz künstlerischer Mittel. Er bezieht weiter ein, dass es sich um ein visuelles Medium handelt, da er den Comic aber von der Animation unterschieden wissen will, formuliert er nun: „Zu räumlichen Sequenzen angeordnete, nichtbewegte Zeichen.“ (An dieser Stelle lässt sich bemerken, dass die „nichtbewegten Zeichen“ den „bewegten Bildern“ des Films gegenüberstehen.)

Aber auch diese Variante genügt ihm noch nicht, da hier genauso gut Buchstaben, die zu Wörtern zusammengesetzt sind, gemeint sein könnten. Daher präzisiert er die Formulierung wieder: „Zu räumlichen Sequenzen angeordnete, bildliche oder andere Zeichen.“ und fügt noch ein paar Worte zur unterschiedlichen Funktion der Zeichen hinzu: „[…] die Informationen vermitteln und/oder eine ästhetische Wirkung beim Betrachter erzeugen sollen.

 Die Welt des Comics ist eine Welt geschlossener ikonischer Zeichensysteme mit der Tendenz zur Übertreibung und Idealisierung.

Simon Ofenloch in Anlehnung an Bernd Weidenmann

Somit sieht Ofenloch eine Exaltiertheit, also eine künstliche Übersteigerung/Intensivierung, als charakteristisch für das Medium Comic an. „Diese Intensivierung betrifft sämtliche Bereiche und sämtliche Bedeutungsebenen.“ So sei z.B. das Prinzip der übertriebenen Objektmerkmale („Kindchenschema“, Muskeln, Busen etc. bei Menschendarstellungen; Größe, High-Tech-Appeal bei technischen Objekten; Wassermassen, Steilheit von Schluchten etc. bei Naturereignissen und Horrorattribute etc. bei Fantasy-Figuren) Teil der Darstellungscodes im Comic.

Nach Ofenloch ist für den Comic des Weiteren die Verwendung visueller Stereotypen charakteristisch, die die Einordnung einer in einer Handlung stehenden Figur erleichtern soll. Dazu gehören eindeutige Setzungen in ,gut‘ oder ,böse‘ der Helden und Gegenspieler. Stereotypisierung bezieht sich aber auch auf die Darstellung von Objekten, was ebenfalls eine schnelle Erkennung gewährleisten soll.

Weiterführende Literatur:

Eisner, Will: Mit Bildern erzählen – Comics und sequentielle Kunst. Wimmelbach: Comic Press Verlag 1994 (leider vergriffen, nur noch gebraucht erhältlich)

McCloud, Scott: Comics richtig lesen. Hamburg: Carlsen Verlag (2. Auflg.) 1995 [1993]

Ofenloch, Simon: Mit der Kamera gezeichnet. Zur Ästhetik realer Comicverfilmungen. Saarbrücken: Akademiker Verlag 2012

Schüwer, Martin: Wie Comics erzählen. Grundriss einer intermedialen Erzähltheorie der grafischen Literatur. Trier: Wissenschaftlicher Verlag 2008

Zu der besonderen Ästhetik der Bewegung im Comic

Eine Untersuchung zur Darstellung von Bewegung innerhalb eines Comics lohnt sich. So stellt auch Schüwer die interessante Frage: „Wie kommt es, dass das Superheldengenre, das wie kaum ein anderes auf Bewegtheit der Helden setzt, ausgerechnet in einem Medium gedeiht, dass mit einer Aneinanderreihung starrer Bilder arbeitet?“
Im Folgenden werde ich  den Aspekt der Bewegung einer genaueren Betrachtung unterziehen.

Abb 1: Toepffer, Rudolphe: Histoir d‘Albert. Bd. 5 aus: Collection des histoires en estampes de R. Toepffer. J. Kessmann Verlag 1846, S. 39.

Trotz der dreitausendjährigen Geschichte der sequenziellen Kunst wurde die Darstellung von Bewegung in Comics, wie wir sie heute kennen, nämlich im Übergang von Panel zu Panel, in der Mitte des neunzehnten Jahrhunderts durch Rudolphe Toepffers heitere, satirische Bildergeschichten eingeführt. Der Genfer Schriftsteller war der erste, der sich intensiv mit Gestaltung und Wirkung der Bildgeschichten auseinandersetzte. Er selbst nannte seine Zeichnungen „Literatur in Bildern“, mit denen er um 1830 „einen beeindruckend modernen Stand in Form und Ästhetik“ erreichte. Seine Leistung war es, die Möglichkeit der Kombinationen von Bild und Erzähltext zu erkennen und darüber hinaus „höchst geschickt“ Bewegung, parallele Handlungsabläufe und die Verbindung von Raum und Zeit zu vermitteln. Bereits siebzig Jahre vor der Erfindung der Kinematografie setzte er somit Techniken ein, die wir heute als „filmisch“ bezeichnen würden, vorausschauend, wie wechselnde Kameraeinstellungen. [Abb.1]

Innerhalb weniger Jahre entwickelte sich „Bewegung“ zu einem Thema, das im Zuge der Technisierung, gerade im künstlerischen Bereich, ein hohes Maß an Wichtigkeit erhielt.

Abb. 2: Muybridge, Eadweard: The Horse in Motion."Sallie Gardner," owned by Leland Stanford; running at a 1:40 gait over the Palo Alto track, 19th June 187.

Abb. 2: Muybridge, Eadweard: The Horse in Motion.”Sallie Gardner,” owned by Leland Stanford; running at a 1:40 gait over the Palo Alto track, 19th June 187.

Der Begründer der Serienfotografie, Eadweard Muybridge, gebrauchte 1872 komplexe Aufbauten mit 24 sukzessiv auslösenden Fotoapparaten, um im Auftrag eines kalifornischen Gouverneurs, den exakten Bewegungsablauf eines Pferdes zu bestimmen [Abb. 2].

Etwa zur gleichen Zeit erfand Étienne-Jules Marey, ein französischer Physiologe und Foto-Pionier, seine chronofotografische Flinte. Somit gelang es ihm Phasen von Bewegung in einem einzelnen Foto darzustellen [Abb. 3].

Abb. 3: Marey, Étienne-Jules: Aufnahme mit seiner chronofotografische Flinte (o.J.).

Abb. 3: Marey, Étienne-Jules: Aufnahme mit seiner chronofotografische Flinte (o.J.).

1879 erfand Muybridge dann das Zoopraxiskop, welches die in Einzelbilder zerlegten Bewegungsabläufe zu einer Art Kinofilm synthetisierte. Den gleichen Prozess „durchliefen“ auch noch etwa ein Elefant und ein Bison und seine berühmten Serienaufnahmen veröffentlichte er 1881 in Form von Albuminpapierabzügen unter dem Titel: „The attitudes of animals in motion“. Thomas Edison schließlich war der erste, der ein Patent über ein Verfahren erhielt, das Fotostreifen auf Zelluloid benutzte.

Während der Film seinen spektakulären Aufstieg begann, formierten sich ein paar zeitgenössische Maler, um Bewegung auf einem einzigen Bild darzustellen. Dazu gehörten die Futuristen in Italien und Marcel Duchamp in Frankreich. Die künstlerische Strategie bestand in der Zerlegung von Bewegung in Phasen [Abb. 4/5].

Abb. 4: Giacomo Balla: Dynamismus eines Hundes an der Leine. 1912, Öl/Lwd. 90,8 x 110 cm.

Abb. 4: Giacomo Balla: Dynamismus eines Hundes an der Leine. 1912, Öl/Lwd. 90,8 x 110 cm.

Duchamp

Abb. 5: Marcel Duchamp: Nude Descending a Staircase (No. 2). 1912, Öl/Lwd. 151.8 x 93.3 x 5.1 cm.

Duchamp beschäftigte sich vermehrt mit der Idee von Bewegung, als mit der Wahrnehmung derselben und reduzierte das Phänomen beizeiten auf eine einzige Linie.
Nach McCloud habe ein anderes Medium während dieser Zeit „[…] ohne viel Aufsehen dasselbe Gebiet erkundet“ – er meint hiermit den Comic. Anfangs versuchte man es in Sequenzen mehrerer Bilder. Dann wurde entdeckt, dass Bewegung ebenso innerhalb eines Panels durch die „Bewegungslinie“ (auch „Speed Line“ oder im englischen Sprachraum „Action Line“), die nach McCloud „irgendwo zwischen dem Dynamismus der Futuristen und dem schematischem Konzept Duchamps liegt […]“, dargestellt werden kann [Abb. 6].

Abb. 6: McCloud, Scott: Comics richtig lesen. 2. Auflg., Hamburg: Carlsen, 1995 [1994], Panel auf S. 118.

Abb. 6: McCloud, Scott: Comics richtig lesen. 2. Auflg., Hamburg: Carlsen, 1995 [1994], Panel auf S. 118.

Wie die Bewegungslinien im Laufe der Zeit stilisiert und schematisiert wurden und irgendwann „[…] fast ein Eigenleben und eine körperliche Präsenz bekamen.“, ist ebenfalls anhand McClouds Darstellungen in Comics richtig lesen nachzuvollziehen [Abb. 7].

Abb. 7: McCloud 1995, S. 119.

Abb. 7: McCloud 1995, S. 119.

Die, im wahrsten Sinne des Wortes, Eigendynamik der Speed Lines ist seit Jahren eine Besonderheit des amerikanischen Comics. Sie können eine Dramatisierung von Vorgängen bewirken. McCloud beobachtet verschiedene Ausformungen der Speed Lines. So versuchten manche Zeichner (z.B. Krigstein und Infantino) es mit Hinzunahme von Bewegungsphasen oder wieder andere, wie der Marvel-Zeichner Gene Colan mit fotografischen Schlieren [Abb. 8]. Während sich in Amerika und besonders in Europa jedoch das Experimentieren mit Bewegungslinien in Grenzen hielt, haben sich die Japaner das Konzept der Bewegungsdarstellung zu eigen gemacht. Jene setzten auch erstmals das Konzept der „subjektiven Bewegung“ um, in dem sie den Leser „hinters Steuer“ setzten [Abb. 9]. Mitte der achtziger Jahre verbreitete sich dieses Stilmittel auch unter den amerikanischen Zeichnern und seit Anfang der Neunziger ist es zu einem alltäglichen und allgemein gebräuchlichen Stilmittel geworden.

Abb. 8: McCloud 1995, Panels auf S. 120.

Abb. 8: McCloud 1995, Panels auf S. 120.

Abb. 9: McCloud 1995, Panel auf S. 122.

Abb. 9: McCloud 1995, Panel auf S. 122.

Weiterführende Literatur:

McCloud, Scott: Comics richtig lesen. Hamburg: Carlsen Verlag (2. Auflg.) 1995 [1993];

Ofenloch, Simon: Mit der Kamera gezeichnet. Zur Ästhetik realer Comicverfilmungen. Saarbrücken: Akademiker Verlag 2012

Russo, Chantal: Paint it Noir – Vom Comic zum Film. Analyse eines Medienwechsels am Beispiel von Frank Millers „Sin City“. Magisterarbeit (2007) im Besitz der Leuphana Universität;

Schnelle-Schneyder, Marlene: Photographie und Wahrnehmung: am Beispiel der Bewegungsdarstellung im 19. Jahrhundert. Marburg: Jonas 1990

Schüwer, Martin: Wie Comics erzählen. Grundriss einer intermedialen Erzähltheorie der grafischen Literatur. Trier: Wissenschaftlicher Verlag 2008

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